La Colección del Centro abarca las etapas principales que atravesó, durante casi medio siglo, la obra de Guerrero, desde sus primeras composiciones en el marco de la figuración renovada de mediados de los cuarenta hasta sus últimas obras de plenitud a finales de los ochenta.

Este verano el Centro José Guerrero exhibe en sus salas exclusivamente obras de su propia colección. Comprometido con el arte contemporáneo más experimental, su programación de exposiciones temporales permite mostrar en Granada el trabajo de artistas que forman parte del canon de la historia del arte contemporáneo, como Luis Gordillo, así como de artistas en activo de disciplinas diversas, como la reciente exposición de Chelo Matesanz; y en ocasiones, propuestas novedosas en las que hemos sido pioneros, como Viñetas desbordadas, con Max y Sergio García. Pero la obra de Guerrero siempre es el eje que vertebra esa programación, y cada año, además de las frecuentes muestras dedicadas a su figura, al menos una de ellas se dedica a exhibir una selección de piezas de la Colección del Centro. En esta ocasión, la selección representa en una treintena de obras su recorrido artístico a lo largo de varias décadas, en la que se incluyen óleos, obra sobre papel y frescos portátiles.

JOSÉ GUERRERO (Granada, 1914 – Barcelona, 1991) inició su carrera artística en el contexto de la Joven Escuela Madrileña, de mediados de los cuarenta, dentro de una figuración renovada que se remitía a la cultura de preguerra. El maestro que más le había marcado en Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, Vázquez Díaz, la había conocido en persona y supo encaminarlo hacia a sus fuentes. También le impulsó en ese camino el hispanista Maurice Legendre, que resultó ser un gran protector para él. Precisamente a instancias suyas pasó unos días pintando en La Alberca toda una serie de obras en 1946 de la que forma parte la primera tela de la Colección del Centro: La aparición, acompañada por otra del mismo año sin título recién depositada.

La Aparición, 1946.

Al poco de acabar la carrera, Guerrero obtuvo una beca del Gobierno francés para estudiar la pintura al fresco y marchó a París, donde conoció de primera mano las vanguardias artísticas y acusó los influjos de Matisse por su uso del color y de la libertad formal de Picasso. De París viajó a otras ciudades europeas en busca de la modernidad. Residió en la Academia de España en Roma, donde pintó la Panorámica de Roma que preside la planta baja, y conoció a la periodista norteamericana Roxane Whittier Pollock, con quien se casó en 1949. Ese mismo año se marcharon a los Estados Unidos; vivieron primero en Filadelfia, ciudad natal de Roxane, y en 1950 se instalaron en Nueva York. Guerrero, que ya tenía treinta y seis años, pintó el que sería su último cuadro propiamente figurativo: su Autorretrato.

La nueva escena artística provocó en él una gran sacudida: se trataba de una escala distinta a la que había conocido en Europa, otros códigos, otro ritmo… Se inició entonces en la práctica del grabado, además de continuar sus estudios sobre la integración de la pintura en la arquitectura, investigando con nuevos materiales y creando lo que denominaba «frescos portátiles», de los que presentamos varios. Fue una fase experimental que le sirvió para depurar el lenguaje que había marcado su etapa europea y llegar a lo que se conoció

como «abstracción biomórfica», un tipo de abstracción con reminiscencias orgánicas y figurativas que había conocido una fuerte implantación en Nueva York, en el caso de Guerrero con raíces mironianas. Redujo las figuras a formas básicas como óvalos o medios arcos que flotaban sobre fondos casi monocromáticos, en composiciones que evocaban contenidos simbólicos que conectaron con la primera generación expresionista abstracta: Signos, Black Followers, Sombras, Ascendentes.

Black Followers, 1954

Tanto las obras al fresco como los óleos los presentó en 1954 en The Arts Club de Chicago, y a partir de entonces la obra de Guerrero pasó a formar parte de importantes colecciones privadas y museos atentos al auge de la Escuela de Nueva York. El influyente James Johnson Sweeney, que impulsó su carrera, adquirió varias de sus pinturas para el Museo Guggenheim. También lo sumaron a sus fondos, entre otros, el Museo Whitney de Arte Americano, el Instituto Carnegie de Pittsburgh o el Museo de Bellas Artes de Houston. En 1958, cuando había logrado por fin el reconocimiento artístico, su vida interior se colapsó. Inició entonces un psicoanálisis que, además de ayudarle a superar su angustia, le dotó con una gran capacidad de análisis que, en lo sucesivo, aplicó al juicio de su propia obra, permitiéndole desarrollar con gran lucidez su sentimiento plástico. Por esas fechas ya había comenzado a incorporar trazos más gestuales en sus lienzos, en los que también había aparecido un dripping muy contenido. Sus composiciones revelan una intensa actividad emocional frente al lienzo, y surgían de la acción de un modo más cercano al de Kline o Motherwell que a la manera de Pollock o De Kooning: «Yo siempre he querido meter la energía dentro del cuadro. En ese sentido, mi pintura no es como la de los actions painters más genuinos, para los cuales la energía desborda los límites». Así lo muestra a lo largo de su recorrido, como puede verse desde Variaciones azules hasta Grey Sorcery.

Variaciones Azules, 1957

Acabado el psicoanálisis, hizo un viaje a España y a su vuelta a Nueva York algunos de los títulos de sus cuadros empezaron a remitir a su infancia y juventud granadinas, como el Albaicín que incluimos en la muestra. A medida que maduraba, recuperaba su inspiración en las imágenes de la lejana tierra natal. Este conjunto de trabajos coincidió con posteriores viajes a España en los años 1963 y 1964, que abrieron un nuevo camino en su obra, en la que se apreciaba un sosiego cada vez mayor, y donde aparecieron formas más contundentes dibujadas sobre fondos de color puro. El negro casi siempre está presente y las fronteras entre las masas de color son limpias y condensadas, según se aprecia en La Brecha de Víznar o Paisaje horizontal.

La Brecha de Víznar, 1966

Aunque en los años setenta desarrolló una serie muy influyente (las Fosforescencias) a partir un esquema compositivo que le ocupó durante una época, y que posteriormente le llevaría a inspiradas variaciones, hacia finales de la década y ya en los ochenta habían ido desapareciendo estos motivos para dar paso a enormes campos de color, tensados tan solo por líneas o acentos magistralmente dispuestos: Litoral, Oferta con rojo, Verde de sapén. La apoteosis del color se fue haciendo más intensa a medida que avanzaba el tiempo. Hacia mediados de los ochenta afrontó enormes formatos de clara e íntima inspiración paisajística, como proclama Cuenca, telas cada vez más despojadas que corresponden a los últimos años de su producción.

El conjunto selecto de obras del Museo Arte Abstracto Español de Cuenca que se exhiben en la presente muestra, ocasión única para conocer su colección fuera de las salas donde se ha ido configurando, revela un complejo y fascinante momento de la historia cultural española. Con la creación del museo, Fernando Zóbel aportó una solución original a un acuciante dilema político y cultural en un país casi sin museos, ya que logró consolidar el trabajo de una generación de artistas, preparó el camino para las generaciones futuras, favoreció el interés de un público nuevo hacia este tipo de arte y ofreció recursos a estudiantes, investigadores, críticos y amantes del arte. Cuando el museo se inauguró en 1966, proporcionó la infraestructura necesaria para presentar en condiciones museográficas modernas el arte abstracto, lo que pronto tuvo un enorme eco internacional y suscitó elogios como el de Alfred H. Barr, que da título a esta exposición. Hoy, casi sesenta años después, la Fundación Juan March, titular del museo por donación de Zóbel en 1981, mantiene viva la iniciativa de su creador.

En el Centro José Guerrero las obras están distribuidas siguiendo un orden cronológico matizado en función de la coherencia plástica y conceptual de las piezas. La planta baja muestra el peso histórico del grupo El Paso por medio de algunos de sus protagonistas fundacionales, en cuyas obras se reconocen algunos de los rasgos programáticos del movimiento, como la reducción cromática y la factura expresionista. En la primera planta se despliega la continuidad de aquel impulso y su influencia en la exploración de la materia y los grafismos, además de dar paso al color. En la planta segunda, los protagonistas son los grandes planos, así como a las evocaciones atmosféricas y la deriva de estas preocupaciones en la siguiente generación. Y en la planta mirador se muestran los trabajos más geométricos, construidos y luminosos. Si el recorrido comienza con la dominancia del negro, concluye en blanco. Paralelamente, fuera de las salas principales con la obra de mayor formato, una línea de tiempo que recuerda los hitos principales de la historia del museo se ilustra con obra gráfica o de pequeño formato, fotos, carteles, publicaciones y diverso material documental.

El Centro José Guerrero abre de nuevo sus puertas, tras el cierre obligado por la situación sanitaria, para presentar en Granada la obra de Fred Sandback, artista de culto de uno de los movimientos artísticos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX: el minimalismo. En el actual contexto del interés por la percepción, la virtualidad, el dibujo, los materiales blandos y vulgares del postminimalismo y el arte povera, la propuesta de Sandback fue auténticamente pionera.

Sobrepasado el medio siglo desde la irrupción del minimalismo como movimiento autoconsciente, la mayoría de sus protagonistas son bien conocidos del público español, que ha podido contemplar en nuestro territorio muchas de las obras paradigmáticas de la corriente central de esta tendencia artística y sus entornos. Sin embargo, sigue habiendo nombres fundamentales que aún se están descubriendo, como Fred Sandback, cuya obra, no obstante, forma parte de colecciones tan relevantes como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Aunque antes se habían mostrado algunos de sus trabajos dentro de exposiciones colectivas, en España solo se habían presentado hasta la fecha dos exposiciones dedicadas íntegramente a Sandback (galería Cayón, Madrid y Menorca).

Ahora es una cuidada selección de su obra la que viene para despedir un año extraño, lastrado por una pandemia que nadie había previsto, que ha sido el marco en que ha transcurrido el XX aniversario del Centro José Guerrero.

El material con el que trabaja Sandback son los hilos acrílicos de color, con los que traza líneas rectas en el espacio, acotándolo, dibujando sobre él. En Granada conocíamos algunas obras similares, como las de Soledad Sevilla, que se inspiró para algunas de sus instalaciones en los rayos de luz filtrados por las celosías de la Alhambra; Fred Sandback tuvo oportunidad de ver esos haces de luz nazaríes cuando visitó Granada en 1982. También la escena artística granadina estaba familiarizada con ese tipo de fidelidad de un creador a un soporte expresivo. Once años antes de que a Sandback se le revelaran las posibilidades de la cuerda elástica y el hilo acrílico para sus propósitos experimentales, en 1956 a Manuel Rivera se le había revelado la tela metálica. En ambos casos, se trataba de materiales de fabricación industrial que servían para muy diversos usos, pero entre los cuales los productores no habían previsto el artístico. Eran, en definitiva, materiales de trabajo. Y parte del carisma que los cautivó en ellos (como a Tàpies la arena, a Beuys el fieltro o a Hesse el caucho, aunque estos exploraran con una gama mayor de materiales) residía en esa falta de solemnidad, en su simplicidad y funcionalidad, y en la dignidad que traían aparejada.

Sandback, antes de su experiencia Eureka, había estado muy interesado por la música y los instrumentos musicales; llegó incluso a diseñar algunos de cuerda en su juventud, en la que también fabricó arcos largos ingleses. De modo que tenía una práctica, previa al arte, del trabajo con hilos, de su tensión y de sus vibraciones en el espacio. La música, las cuerdas y el aire libre estuvieron muy presentes a todo lo largo de su vida y fueron constantes fuentes de inspiración para su obra. También tuvo José Guerrero experiencia de trabajo manual antes de iniciar su carrera artística; no solo le gustaba trabajar con las manos, sino observar cómo lo hacían otros. Compartían pues, Guerrero y Sandback el aprecio por las formas que nacen de la gestualidad íntima, la acción del cuerpo y el cuidado de y con la materia.

Como se cuenta en el catálogo en el que quedará documentado este montaje de su obra en el Centro, a Sandback le gustaba la idea de invitarnos a pasear por los espacios que intervenía. En esta ocasión lo hace acompañado de Guerrero, con el que sostiene un diálogo respetuoso a propósito del color y su expansión, la vibración de la luz y «la tensión que tienen los espacios», como decía Guerrero, un diálogo al que animamos a participar a todos nuestros visitantes.